Miguel Ángel, uno de los mejores artistas de todos los tiempos

Michelangelo Buonarroti
Fecha: 1475 - 1564
Lugar de Nacimiento: Caprese (Italia)
Lugar de Fallecimiento: Roma (Italia)

Miguel Ángel fue uno de los mejores pintores, arquitectos y sobretodo, escultores de todo el Renacimiento y de toda la historia.
Miguel Ángel nació el 6 de Marzo de 1645, en Carezzo, cerca de Florencia. Su madre murió cuando él tenía 3 años y tras una larga enfermedad por lo que Miguel Ángel quedó al cuidado de una mujer picapedrera, quien le amamantó y cuidó hasta la muerte de su madre y quien según el mismo Miguel Ángel, le transmitió el amor por el arte.
Tras la muerte de su madre, se trasladó junto a su padre y sus cinco hermanos a Florencia, donde le obligó a estudiar gramática. Pero Miguel Ángel, decidido a ser artista, le manifestó su deseo a su padre quien en un principio se negó, ya que en aquella época ese oficio no era muy bien visto. Tras largas discusiones, su padre al fín accedió a dejarle estudiar para artista. Así, en 1488 su padre le inscribió como aprendiz en el taller de los Ghirlandaio. Allí empezó a sobresalir en el ámbito de la esculutura por lo que, tras finalizar allí sus estudios, empezó a estudiar las estatuas del Jardín de San Marcos bajo la tutela de Bertolo di Giovanni, un antiguo discípulo de Donatello.
Pronto, Lorenzo de Médici se dió cuenta de su talento y le acogió en su Palacio de la via Longa.
Por desgracia, en 1492 Lorenzo de Médici falleció y la familia Médici perdió el poder en la ciudad frente al monje Girolamo Savoranola.
Miguel Ángel se vio obligado a huir de Florencia instalándose en Bolonia, donde realizó algunas obras. En 1495 volvió a Florencia para trabajar al servicio de Perfrancesco de Médici, un noble a favor del gobierno actual del monje. En esta etapa Miguel Ángel desarrolló su gusto por la anatomía, ya que iba todas las noches al depósito de cadávres para practicar disecciones.
En 1496 marchó por primera vez hacia Roma donde le encargaron varias obra como la Pietá del Vaticano. También realizó el David, en este caso de vuelta en Florencia. Tras años de esfuerzo por fín se le reconoció el mérito y fue nombrado artista de primera línea.
En 1540 el Papa Julio II le pide a Miguel Ángel que regrese a Roma para realizar su complejo funerario con 40 esculturas diferentes, proyecto que finalmente se vio reducido a tres únicas figuras. el Moisés y dos esclavos, debido a los varios encargos solapados que el Papa ordenaba a Miguel Ángel, como el techo de la Capilla Sixtina, y los desacuerdos entre ambos.
Miguel Ángel murió el 18 de Febrero de 1564, pero antes de morir realizó grandes obras como la Capilla Sforza o el proyecto de la Basílica de San Pedro, para la que también realizó la Piedad.

Uno de los esclavos del Complejo Funerario de Julio II

Basílica de San Pedro

Basílica de San Pedro (Ciudad del Vaticano)
Arquitecto: Bramante, Miguel Ángel, Rafael, Antonio de Sangallo el Joven y Peruzzi
Fecha: 1506 - 1626

El proyecto del Vaticano pasó de Papa en Papa y de arquitecto en arquitecto hasta que por fín el Papa Julio II le encargó el proyecto a Bramante, quien diseñó el edificio con planta de cruz griega, cuatro grandes pilares como los de la basílica de San Marcos y cinco cúpulas rodeándolo, incluida entre ellas una cúpula central inspirada en la del Panteón de Agripa. Este diseño incluía también la demolición total del antiguo edificio hecho que fue criticado con fiereza y por el que recibió el nombre de maestro ruinoso.

En 1514, con la muerte de Bramante, el Papa León X reasignó el proyecto a Rafael, acompañado de Antonio de Sangallo el Joven. Rafael y Sangallo decidieron cambiar el proyecto de Bramante por completo, instaurando una planta de cruz latina con tres naves.

Por desgracia, en 1520 Rafael falleció y se quedó al cargo del proyecto Sangallo junto a Peruzzi, que ideó una planta centralizada o basilical, es decir, consta de una sola nave y la cruz se asemeja más a la griega.

Así, Sangallo presentó en 1546 un proyecto que unía todas las ideas anteriores como la cúpula diseñada por Bramante o la planta basilical de Peruzzi. Pero ese mismo año murió.

El proyecto fue reasignado de nuevo a otro genio renacentista, Miguel Ángel Buanorroti. Miguel Ángel retomó la idea de Bramante sobre la planta de cruz griega y la cúpula central, pero corrigió varios problemas estructurales. El proyecto fue seguido incluso después de la muerte de Miguel Ángel y en 1588 se finalizó por fin la cúpula, dando por terminada la Basílica.

Sin embargo, la actual planta de cruz latina fue ideada por Maderno bajo el papado de Pablo V y finalizada en 1626.

La Primavera



La Primavera
Pintor: Sandro Botticelli
Fecha: 1477
Lugar: Galería Uffizi (Florencia)
Escena: Persecución de Cloris por parte de Céfiro y Flora en su Jardín Eterno

Esta pintura al temple realizada por Botticelli narra la historia de la ninfa Cloris según Ovidio en dos partes:

• A la derecha, cuenta la primera parte del relato mitológico. Céfiro, dios del viento, se enamora perdidamente de Cloris, una ninfa del bosque. Él, loco de amor, la siguió y la tomó como esposa por la fuerza.
• Inmediatamente a la izquierda de las figuras de Cloris y Céfiro, el relato continúa. Tras haberla tomado como esposa por la fuerza, Céfiro se arrepiente de sus actos y como acto de disculpa convierte a Cloris en Flora, la diosa de la Primavera, y le regala un jardín eterno donde esa misma estación reina durante todo el año.

También aparecen en el cuadro otros diosses griegos como son Venus y su hijo Cupido (centro); Mercurio, el mensajero de los dioses (izquierda) y las tres Gracias, las diosas del encanto, la belleza y la fertilidad.
En este cuadro Botticelli representa con maestría la armonía del Jardín eterno por medio de su dominio del color y por la forma de los personajes, que adquieren una elegancia única.

Sandro Botticelli



Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Sandro Botticelli)
Fecha: 1445-1510
Lugar de Nacimiento: Florencia (Italia)
Lugar de Fallecimiento: Florencia (Italia)

Sandro Botticelli nació en 1445, en Florencia. A los trece años entró a formarse como orfebre en el taller de su hermano Antonio, pero, más tarde, a los 14 años y a petición propia, su padre lo mandó a aprender al taller de pintura de Filippo Lippi, donde estuvo hasta los 17 años.
Lippi fue la mayor influencia para Botticelli en cuanto pintura. La expresividad de los sentimientos en los rostros o el detallismo en las decoraciones fueron algnos de estos rasgos que Botticelli adoptó de su maestro.
En 1467 Botticelli regresó a Florencia donde trabajó en el taller de Verrocchio, antiguo compañero de Lippi y maestro de grandes artistas como Da Vinci o Perugino. Allí, Botticelli tuvo la suerte de poder trabajar con Leonardo, datando de esa época una serie de Madonnas.
En 1470 Botticelli ya tenía su propio taller donde enseñó al hijo de su antiguo maestro: Filippino Lippi. También en esa época llamó la atención de la familia Médici, quienes le acogieron y le encargaron varias obras como la Adoración de los Magos, los retratos de Cosme el Viejo y Giuliano de Médici,el Nacimiento de Venus o La Primavera, otra de sus obras más conocidas.
En 1481 fue llamado por el Papa para pintar una serie de frescos en la capilla Sixtina junto a otros grandes pintores. De vuelta de Roma, Botticelli realizó varias obras importantes más como Palas y el Centauro o Venus y Marte. Murió en 1510 en Florencia y fue enterrado en la iglesia de Ognissanti.
Botticelli destacó por la representación de los sentimientos que plasmaba con certeza y por un misticismo casi inhumano que despierta grandes sentimientos en los espectadores.



Adoración de los Reyes Magos, obra de Botticelli



El Bautismo de Cristo

El Bautismo de Cristo
Pintor: Piero della Francesca
Fecha: 1448-1450
Lugar: National Gallery (Londres)
Escena: Bautismo de Jesús en el río Jordan

El Bautismo de Cristo es una pintura al temple que forma parte de un tríptico que fue encargado para la iglesia de San Juan de la localidad natal de Piero della francesca, Borgo de Santo Sepolcro.
En esta obra Piero della Francesca representa el momento en que Cristo fue bautizado por San Juan Bautista con agua del río Jordan. En la escena aparecen Cristo, en el centro de la pintura; San Juan Bautista, a la derecha de Jesús; tres ángeles que se dice representan el reconcilio de la iglesia oriental y occidental, debido a sus ropas diferentes entre sí y fuera de lo común; y a la derecha, en un plano profundo, se encuentran tres nobles con ropas bizantinas que refuerzan el simbolismo de los tres ángeles.
También se ve otro gran símbolo en esta obra, la paloma que desciende con las alas desplegadas sobre la cabeza de Cristo, que representa al Espíritu Santo.
Della Francesca se centro también en el paisaje natural, viéndose detalles como el curso del río y su reflejo o la precisión de los detalles en el árbol.

Piero della Francesca, un gran pintor

Nombre: Piero de Benedetto dei Franceschi (Piero della Francesca)
Fecha: 1416/1420-1492
Lugar de Nacimiento: Borgo de Santo Sepolcro (Italia)
Lugar de Fallecimiento: Borgo de Santo Sepolcro (Italia)

Piero della Francesca nació en Borgo de Santo Sepolcro, actualmente Sansepolcro, en una fecha indeterminada entre los años 1416 y 1420. Se formó en matemáticas, tanto en cálculo como gometría, etc., con su padre un gran mercader de la época, pero no se sabe concretamente como recibió su formación en arte. Se dice que pudo haberse formado con un amigo de su padre que realizaba banderas y estandartes ya que de éste data el primer pago a Della francesca por ayudarle con el dibujo de unos escudos, pero donde realmente recibió su 'formación' fue en Florencia.
Allí conoció a Fra Angélico, lo que le permitió acceder a grandes obras del ya difunto Masaccio o a conocer a Brunelleschi. Quedó fascinado por la perspectiva que manejaban los dos, lo que marcó sus obras posteriores ya que el también sabía manejarla con excelencia al haber estudiado matemáticas con su padre.
Piero della francesca destacó por su tratamiento de la perspectiva y sobretodo por la serenidad y misticismo de sus cuadros gracias a la luminosidad que daba a los tonos. Entre sus obras destacan el Bautismo de Cristo, la Virgen con el Niño o la Resurrección, de donde esta sacado el autorretrato de arriba. También realizó algunos tratados sobre matemáticas.

La Resurrección

La Santísima Trinidad



Santísima Trinidad
Pintor: Massacio
Fecha: 1424
Lugar: Iglesia Santa María Novella (Florencia)
Escena:  Misterio de la Santísima Trinidad

Pudo ser encargada por la familia Lenzi aunque no se sabe a ciencia cierta quien fueron los donantes. Eligieron a Masaccio ya que era un pintor jóven sin miedo a realizar cosas nuevas y ellos querían que la obra fuese distinta a lo que se habia visto hasta ahora, es decir, diferente al gótico. Masaccio había sido fascinado por las enseñanzas de Brunelleschi sobre pintura y por el arte que éste y Donatello realizaban, por lo que decidió cambiar completamente y, en vez de un solo plano y tan real, realizó este fresco siguiendo los consejos de Brunelleschi y dándole perspectiva a la obra.
Con la bóveda de cañón y el altar con la tumba, típico de las iglesias mediterráneas, Masaccio simula una capilla en la que se da lugar el misterio de la Santísima Trinidad, contemplado por San Juan y la Vírgen y por los donantes.
Una cosa muy curiosa es que Masaccio abre una bóveda de cañón y, según el historiador suizo Siegfried Giedion, las primeras bóvedas de cañón renacentistas no fueron construidas hasta décadas después de la muerte de Masaccio. Otra curiosidad es la inscripción que aparece sobre el nicho del altar: 'IO FU GIÀ QUEL CHE VOI SETE: E QUEL CHI SON VOI ANCOR SARETE', en español, 'Fui lo que tú eres y lo que yo soy tú seras', con la que de forma burlesca el muerto se mofa de los espectadores.

El Pago del Tributo

El Tributo
Pintor: Masaccio
Fecha: 1424  - 1427

Lugar: Capilla Brancacci, Iglesia de Santa María del Carmine (Florencia)

Escena: Reclamación (Centro), Extracción (Izquierda) y Pago (Derecha) del Tributo por parte de San  Pedro

''El Pago del Tributo'' o simplemente ''El Tributo'' es uno de los frescos más famosos de Masaccio. Se encuentra en la Capilla Brancacci junto a la ''Expulsión de Adán y Eva en el Paraíso'' y representa, como la mayoría de los frescos de esa misma capilla, un momento de la vida de San Pedro, en este caso el Pago del Tributo, cuando Jesús llega con sus apóstoles a Cafarnaum.

El fresco se compone de tres partes, por orden cronológico según el evangelio de San Mateo:

• El cobrador, el hombre de la túnica roja que se encuentra de espaldas, le ordena a San Pedro el pago de un tributo y Jesús le dice a Pedro lo que debe hacer. Esta escena ocupa el centro de la obra.
• San Pedro, siguiendo órdenes de Jesús, va hacia el lago Tiberíades donde saca una moneda tragada por un pez. Esta escena se encuentra a la derecha del fresco.
• San Pedro realiza el pago del tributo ante un edificio de características renacentistas. Esta escena ocupa el lado derecho de la obra.

Masaccio, pintor renacentista por excelencia

Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai (Masaccio)
Fecha: 1401 - 1428
Lugar de Nacimiento: San Giovanni Valdarno (Italia)
Lugar de Fallecimiento: Roma (Italia)

Masaccio es considerado como uno de los padres del Renacimiento al igual que Donatello (escultura) y Brunelleschi (arquitectura). Masaccio destacó en el campo de la pintura sobre todo por su excelente tratamiento de la profundidad, que se basaba en las leyes de la perspectiva cónica desarrolladas por Brunelleschi.
Tras la muerte de su parde en 1406 y la posterior de su padrastro en 1417, se trasladó con su madre y su hermano a Florencia donde realizaría su primera obra documentada. Esta data del 23 de Abril de 1422 y se trata del Tríptico de la Iglesia de San Juvenal de Casia di Reggello, en Florencia. En muchos de los frescos que le encargaron colaboró con Masolino, otro gran pintor florentino con el que mantenía una estrecha relación de amistad.
Murió joven a los 27 años pero aún así dejó un extenso y valioso repertorio de obras. La mayoría de las mejores obras de Masaccio se encuentran en la Iglesia de Santa María del Carmine, en Florencia, concretamente en la capilla Brancasi donde se encuentran El Tributo o La expulsión de Adán y Eva del Paraíso. Destacan también La Santísima Trinidad en la Iglesia de Santa María Novella o La Adoración de los Reyes Magos en la Iglesia de Santa María del Carmine, en Pissa (distinta a la de Florencia).


Tríptico de la Iglesia de San Juvenal de Casia di Reggello



Condottiero Gattamelata

Condottiero Gattamelata
Escultor: Donatello
Fecha:1445
Material:Bronce
Lugar: Plaza del San Antonio (Padua)

 El gran Donatello volvió a recuperar otra gran forma de escultura que se daba en la Antigüedad ya que se trata de la primera escultura ecuestre desde ese mismo periodo y de la primera representación escultórica de un guerrero, de toda la Edad Moderna.
La Signoría de Venecia encargó a Donatello que esculpiera una estatua del Condottiero (en español, mercenario) Erasmo de Narni, un gran militar que trabajó para varios estados italianos y ayudó a la Signoría a derrotar a sus enemigos, los Visconti de Milán. Llegó a convertirse en dictador de Padua, por lo que esta situada en la plaza de ese mismo pueblo. Donatello supo representar con exactitud este hecho ya que el mercenario conduce al caballo, que representa al pueblo, con firmeza pero sin crueldad, como puede verse por las grandes espuelas y la esfera que se sitúa bajo la pata del caballo represenatando al mundo.
La serenidad del rostro del general así como dificultad para esculpir la pata levantada del caballo, hacen de esta obra una joya del renacimiento que hoy en día se sigue admirando.

Detalles del rostro del Condottiero Gattamelata

David en Bronce de Donatello

David
Escultor: Donatello
Fecha: 1430
Material: Bronce
Lugar: Museo Bargello (Florencia)

Como muchas obrasdel ranacimiento, fue encargada por los grandes mecenas de la familia Médici, en concreto por Cosme el Viejo, quien quería colocarla en el jardín de su palacio, en Florencia.
Al contrario que la posterior represenatación del mismo personaje de Miguel Ángel, Donatello presenta a David como un adolescente sereno que, tras haber matado al gigante Golliat, pisa con firmeza la cabeza de éste mientras la contempla pensativo con sus dos armas, la honda con que le aturdió (mano derecha) y la espada del gigante con la que lo decapitó tras haber caído (mano izquerda).
Otra curiosidad es el hecho de que se le presente desnudo, ya que es la primera figura desnuda del renacimiento y la primera esculpida de esta manera desde la Antigüedad. Además las botas que calza y el sombrero que lleva puesto, contrastan con la falta de ropa de este adolescente que, según la Biblia, se valió de su inteligencia pero que se representa más como un figura de belleza y paz.
La postura del joven desnudo, el acabado en bronce y la delicadeza de su rostro, a menudo hace que el público catalogue esta obra de afeminada más que de héroe.

San Jorge

San Jorge
Escultor: Donatello
Fecha: 1417-1420
Material: Mármol policromado
Lugar: Museo Bargello (Florencia)

La escultura de San Jorge le fue encargada a Donatello por el gremio de coraceros. Querían que la estatua se encontrara en la iglesia de San Michelle y que destacaran sobretodo la armadura y el escudo para que fuera inmediatamente relacionada con su gremio.

Se la considera la primera escultura renacentista debido a que, aunque se trata de una figura cristiana, posee los rasgos de un caballero renacentista. Destacan la serenidad del rostro del santo y la armadura, así como el escudo, que representa la fascinación que  sentía el autor por la época clásica.
No solo se le encargó la escultura, sino que también se le encargó labrar el nicho donde se encontraría.

San Jorge en el nicho original

Donatello, padre de la escultura renacentista

Donato di Betto Bardi
Fecha: 1386-1466
Lugar de Nacimiento: Florencia
Lugar de Fallecimiento: Florencia

Donatello fue, junto a Massacio, Brunelleschi y Alberti, uno de los padres del renacimiento. Se  formó junto a Ghiberti, otro grande del renacimiento pero su estilo no se parece en nada al de éste. El estilo de Donatello es muy singular debido a su maestría para plasmar la fuerza emocional y un peculiar sentido del movimiento además del tratamiento del relieve por el que tanto se caracterizaba, así como un gran movimiento innovador.
Nació en Florencia en 1386 y tras formarse como orfebre en un taller de Florencia, marchó a Roma en 1402 junto a Brunelleschi, donde le fascinó el arte de la Antigüedad que más tarde reflejó en sus esculturas ecuestres. En 1404 volvió solo a Florencia para trabajar en el taller de Ghiberti, donde le ayudó, entre otras, a realizar la cera para el relieve de las puertas del Baptisterio de Florencia, ''traicionando'' así a Brunelleschi. Murió en Florencia en 1466 y fue enterrado en la Basílica de San Lorenzo junto a la tumba de Cosme de Médici.
Su primera obra documentada es el David de mármol que esculpió para la Catedral de Santa María del Fiore pero las más destacadas son el David hecho en bronce, el Condottiero Gattamelatta o San Jorge.

David hecho en mármol de Donatello

Palacio Rucellai



Palacio Rucellai (Florencia)
Arquitecto: Bernardo Rosselino
Planos: León Battista Alberti
Fecha: 1446-1455

El Palacio Rucellai fue encargado por Giovanni Rucellai a Bernardo Rosselino quien decidió seguir los diseños de León Battista Alberti, ya que el mismo nunca construía sus propias obras.
La fachada de este palacio marcó las directrices para el resto de palacios florentinos como el Palacio Pitti. Se caracteriza por su simetría y su orden. Así, la fachada está dividida en tres pisos diferentes:

• Piso Inferior: Las lesenas, los pilares esculpidos en la fachada, pertenecen al Orden Toscano,  un orden arquitectónico que deriva del dórico, pero más simple. Otro elemento clásico es el uso repetido del las figuras geométricas (cuadrados y, en este caso, semicírculos) que actúan de ventanas en la fachada inferior y de elementos decorativos en los pisos superiores. Entre los espacios de las lesenas se encuentran dos puertas que dan la entrada al interior del Palacio.

• Piso Principal: Siguiendo el orden, en este caso las lesenas son Jónicas y las ventanas cuadradas del piso inferior se ven sustituidas por arcos de medio punto con semicírculos decorando la parte superior de los mismos. Aunque parezcan iguales, los dos arcos que se sitúan sobre las puertas poseen una anchura mayor al resto para alinearlos con las mismas.

• Piso Superior: Al igual que en el piso principal, los arcos de medio punto dominan la fachada superior, con la única diferencia en el orden de las lesenas: en este caso es Corintio.

Detalle de un arco de medio punto del Palacio Rucellai

Basílica de San Lorenzo (Florencia)



Basílica de San Lorenzo (Florencia)
Arquitecto: Filippo Brunelleschi
Fecha: 1422-1470

La Basílica de San Lorenzo fue un proyecto de 8 familias florentinas, entre ellas lo Médici,quienes decidieron encargársela a Brunelleschi, con el fin de que contuviera una capilla para cada una. Debido a la imposibilidad de costear esta cara obra, Cosme de Medici, patriarca de la familia Médici, adquirió el proyecto, quedando así la basílica exclusivamente para ellos.
Para este proyecto Brunelleschi decidió recuperar las características de las antiguas basílicas cristianas inspirándose así en la Basílica de la Santa Cruz de Florencia. Entre las características que recupero se encuentran la planta de cruz latina, las capillas adosadas a los lados y la división en tres naves.
Como en todos los edificios renacentistas destacan elementos como el Bicromantismo de blanco y gris, es decir, el uso exclusivo de dos colores; los casetones, en este caso cuadrados como los del Panteón de Agripa; el juego de luces que se realiza con las ventanas; el uso de figuras geométricas perfectas (cuadrado y círculo), etc. Pero lo que verdaderamente destaca, como en la mayoría de las obras de Brunelleschi es la perspectiva. Brunelleschi juega con las proporciones, la perfección simétrica y con las líneas del suelo para hacer del altar mayor un punto de fuga al que llegan todas las líneas. También destaca la Capilla de los Príncipes.


Interior de la Basílica de San Lorenzo de Florencia

Panteón de Agripa



Panteón de Agripa (Roma)
Arquitecto: Apolodoro de Damasco
Fecha: 118-125

El Panteón de Agripa es una de las reliquias arquitectónicas que perduran de la Roma Antigua. El original lo mandó construir el magistrado romano Agripa como templo de oración a todos los dioses en el año 27 a.C. pero fue destruido por un incendio en el 80 d.C. El emperador Adriano mandó construir en nombre de Agripa un nuevo templo sobre los cimientos del anterior, por lo que en el actual se puede leer en el friso: ''M.AGRIPPA.L.F.COS.TERTIVM.FECIT'', que significa: ''Marco Agrippa, hijo de Lucio, cónsul por tercera vez, (lo) hizo''. El gran arquitecto Apolodoro de Damasco se encargó de este proyecto en el año 118.
La fachada principal del Panteón está formada por un pórtico clásico, constituido por 16 columnas de 15 metros y medio de altura  y un frontón que tendría que estar constituido por estatuas de bronce que no han llegado a la actualidad. Más adentro, el edificio se divide en tres naves: la central, y más amplia, conduce al interior del Panteón y las dos laterales acaban en dos grandes nichos en los que se deberían encontrar dos estatuas de Augusto y Agripa.
Pero el elemento más destacado del panteón de Agripa es la cella, es decir, la parte interior el templo que es conocida coloquialmente como la Rotonda.  La Rotonda posee una característica muy curiosa que le da, según dirían los griegos, esa belleza tan profunda: la proporcionalidad. Está compuesta por un cilindro cubierto por una cúpula, pues bien, el radio de la cúpula es igual a la altura de la misma y la altura total del edificio es igual al diámetro de la cúpula, pudiéndose inscribir así una esfera perfecta en esta construcción tan peculiar.

1. El Cilindro: Se divide en dos ''pisos'':

• Piso Inferior: En el se encuentran los nichos separados por columnas en los que se deberían encontrar las estatuas de los dioses más importantes.
• Piso Superior: Se compone por una fila de ventanas que dan lugar a una galería superior y que coinciden con los nichos verticalmente.

     2.  La Cúpula: Se caracteriza por 5 filas de casetones cuadrados que van decreciendo a medida que se acercan al centro de la bóveda donde se encuentra un óculo de 8,97 m de diámetro por el que se filtra la luz y, cuando hay lluvia, el agua que es transportada por un canal hasta el exterior.

Interior de la cella del Panteón de Agripa

Cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore

Cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore (Florencia)
Autor: Filippo Brunelleschi
Fecha: 1420-1436

La Catedral de Santa María del Fiore se empezó a construir en 1296 por el arquitecto Arnolfo di Cambio, pero no fue terminada hasta 1380 debido a una sucesión de grandes problemas como la muerte del arquitecto o la Peste Negra. En un principio, la cúpula de la catedral era de madera pero los problemas para construir una nueva eran varios por lo que en 1419 se organizó un concurso para elegir al arquitecto que fuera capaz de salvar estos problemas. En esta concurso participaron de nuevo dos grandes arquitectos y enemigos entre ellos: Ghiberti y Brunelleschi. Esta vez, ganó Brunelleschi aunque los jueces del concurso dictaminaron que el proyecto se llevara a cabo entre los dos, usando los planos de Brunelleschi. ambos aceptaron pero Ghiberti tachó de imposibles los planos, por lo que Brunelleschi fingió una enfermedad y marchó a Roma dejando solo a Ghiberti. Pronto Ghiberti se dió cuenta de la imposibilidad de hacerlo solo y Brunelleschi volvió para hacerse responsable de su obra.
El diseño de Brunelleschi se inspiraba en otra gran cúpula, la del Panteón de Roma, que usa una técnica de doble-emparedado, es decir, consta de dos bóvedas, una interior octogonal que sujeta la estructura y otra exterior, permitiendo así a la cúpula autosostenerse durante la construcción, evitando el uso de andamios. O eso es lo que se pensaba.
En la actualidad se tiene el conocimiento de lo que permitía automantenerse a la cúpula no era solo la técnica del doble-emparedado, sino también la disposición en diagonal de los más de 3 millones de ladrillos interiores, la técnica llamada ''pared a soga''. Brunelleschi se divertía escondiendo su secreto por lo que ordenó que los ladrillos de la bóveda exterior se dispusieran de forma distinta a la interior, que realmente soportaba el peso, o que se hicieran surcos en los ladrillos escondiendo así su verdadera disposición.
Brunelleschi tuvó que idear máquinas elevadoras y complejos sistemas de poleas para poder llevar a cabo esta magnífica obra de más de 37 toneladas.

Interior de la cúpula

Filippo Brunelleschi, un genio renacentista

Filippo di Ser Brunellesco Lapi
Fecha: 1377-1446
Lugar de Nacimiento: Florencia
Lugar de Fallecimiento: Florencia

Fue el mayor arquitecto del periodo del Quattrocento, y, posiblemente de todo el Renacimiento, además de uno de los precursores de este mismo estilo. Desde pequeño estudió orfebrería y escultura llegando incluso a presentarse en el concurso para realizar los bajorrelieves de las puertas del Baptisterio de Florencia, concurso que perdió frente a Ghiberti por salirse de las bases; tenía que aparecer Abraham, Isaac, un ángel, dos sirvientes con un asno, leña y un cordero o una oveja, y el  asno que el esculpió parecía llevar un altar encima además de la expresión rasgada de Abraham. Tras perder este concurso, Brunelleschi marchó a Roma junto a Donatello y  cayó en una profunda depresión por lo que decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura. En sus obras destacan las figuras geométricas (círculo, cuadrado, etc.), las proporciones y, por supuesto, la perspectiva, dando así a sus obras un carácter propio y auténtico. La Cúpula de la Catedral de Florencia, la Basílica del Santo Spirito, la fachada del Palacio de los Inocentes, el Palacio Pitti o la Iglesia de San Lorenzo son algunas de sus mayores obras. También hizo trabajos teóricos importantes en pintura como las Leyes de la Perspectiva cónica, que fueron una de las bases de la Pintura Renacentista.

 

Fachada del Hospital de los Inocentes, obra de Brunelleschi (Florencia)